EL PAPEL DE LA GUITARRA EN LOS GÉNEROS MUSICALES
EL PAPEL DE LA GUITARRA EN LOS GÉNEROS MUSICALES
Mientras la guitarra eléctrica servía para inventar el Rock&Roll, ¿qué ocurría en el género de música donde que había empezado todo? En el jazz la guitarra había perdido su papel como un instrumento de ritmo con el ocaso de las big bands en los años cincuenta. Como un instrumento “solo”, la guitarra eléctrica lucha todavía por liberarse de sus asociaciones con la fusión y con el smooth jazz. Esos géneros tienen a sus seguidores, por supuesto. Y con virtuosos como George Benson y Pat Metheny, la guitarra de jazz está todavía viva y haciendo tnto por el Jazz como los demás instrumentos. Mas si no hubiera existido la guitarra eléctrica, el jazz sonaría hoy practicamente igual, mientras que el Rock&Roll, simplemente no existiría, como tampoco existirían todas las secuelas del Rock&Roll.
En cuanto al blues, la guitarra eléctrica revitalizó el género, pues su flexibilidad dio a músicos nuevas maneras de expresar la emoción bluesera, el feeling. A principios de la década de los 40, un estilo nuevo y suburbano del blues, nacido en Chicago, fue construido enteramente a partir del sonido amplificado. Bluesmen como Muddy Watters y el gran T-Bone Walker (que ha sido llamado el Padre del Blues Eléctrico) tomaron también la guitarra amplificada y, junto con Charlie Christian, inspiraron a una generación nueva de artistas, liderada por el conocidísimo B. B. King.
Durante los 50, la música basada en el blues que se había desviado demasiado lejos de sus raíces, llegó a ser conocida como “Rythm&Blues”, un término que era tan indefinido como lo es hoy. Finalmente, por supuesto, en las palabras de Muddy Watters, “El blues dio la luz a un bebé, y le denominaron el “Rock&Roll”. Los primeros rockeros seguidores de la noción entendieron que el bebé debía parecerse a su padre, así que idolatraron y a menudo imitaron a los grandes bluesmen. El blues siguió siendo una obsesión para la mayoría de los rockeros de los años setenta, y cuando el cazatalentos Danny Fields escuchó por primera vez a losl Ramones en CBGB en 1974, quedó impresionado por haber encontrado por primera vez una música que era “toda Rock y nada Blues”, principalmente porque, como la mayoría de las bandas punk, los Ramones no eran lo suficientemente buenos como para tocar Blues decentemente.
La demostración más poderosa del papel eléctrico de guitarra como un símbolo sociopolítico vino en el Festival Folk de Newport de 1965, cuando Bob Dylan, un innovador incansable en el lenguaje Folk y Blues y un “cantante protesta” de valores sólidamente basados en la libertad, conectó una guitarra eléctrica entre las airadas protestas de la audiencia. Era toda una traición, que el joven genio que podría haber dirigido una generación nueva de fans a lo más alto de la música folk norteamericana, estuviera prostituyéndose para dar gusto a los adolescentes amantes de Rock&Roll. Más que eso, sin embargo, el acto de Dylan de enchufarse simbolizó la fusión de la izquierda política con la contracultura. Los senderos divergentes que tomaba la música de Dylan no era lo que enfadaba a los fans; era la guitarra eléctrica. Dylan podría haber sido tan experimental como quisiera, y todo habría ido muy bien si no se hubiera enchufado. La guitarra eléctrica tenía sus detractores, y lo más importante, entre un importante sector de la gente joven.
LA EVOLUCIÓN DEL SONIDO DE LA GUITARRA
¿Qué es lo que da a la guitarra eléctrica tal fuerza? Dada la diversidad de géneros y tendencias para las que se usa, la cualidad más importante de la guitarra eléctrica puede ser su flexibilidad o versatilidad. Una vez que los guitarristas se acostumbraron a cambiar el sonido utilizando los botones de volumen y tono y la palanca de vibrato, comenzaron a buscar aún más. A principios de la década de los 60 la reverberación artificial creó el “estilo surf” distintivo del sonido instrumental de The Ventures y, en Gran Bretaña, The Shadows. Los productores aprendieron que tanto el feedback como las interferencias podrían ser sus amigos, desarrollando circuitos y dispositivos que permitieron el fuzz, el eco (o delay), wah-wah, la compresión, y un montón de efectos que podrían ser invocados a gusto del intérprete.
Quizá lo más llamativo es que un efecto secundario e indeseado de la amplificación a válvulas cuando se toca a volúmenes altos, como fue la saturación (overdrive o distorsión), paso de ser un problema a evitar, a convertirse en un sonido característico creador de un sinnúmero de generos musicales, a partir de lo que se conoce genéricamente como rock. Ese efecto se generaba con más potencia cuando se usaban guitarras dotadas con pastillas de doble bobinado o humbuckers. De ahí que la Gibson Les Paul, un modelo que se había dejado de fabricar a principios de los 60 por el empuje de las guitarras Fender (caraterístizadas por el uso de pastillas single, más limpias y menos empastadas), volvió a ser un instrumento deseado y buscado. Guitarristas como Eric Clapton tuvieron gran responsabilidad en ello. La endogamia existente entre los músicos de la época, sobre todo en Gran Bretaña, llevó a que la adopción de las guitarras con dichas pastillas creara una tendencia más rockera, con grupos como Cream, The Beatles y casi inmediatamente The Rolling Stones abandonaran el pop sesentero para preparar el camino a grupos como Led Zeppelin y fundar los cimientos de géneros y tendencias como el rock duro, el Glam, etc.
Es curioso pensar como otra vez, el mero intento de solucionar un problema creó un sonido y una cultura. Las humbuckers habían sido inventadas para intentar cancelar las interferencias de las pastillas de bobinado simple o “singles”, y su sonido nasal, comprimido y empastado pasó de ser un mal menor a la primera piedra de toda una civilización.
De ahí a los modernos sistemas de procesamiento de sonido puede haber mucha distancia tecnológica, pero el concepto, su esencia y razón de ser, apenas han variado.
LA MAYORÍA DE EDAD
Uno de los maestros más influyentes del sonido manipulado en la década de los 60 era Jimi Hendrix, cuya influencia permanece intacta después de cuatro décadas. Con sus espectaculares bendings, el uso de la palanca de vibrato, el uso y abuso del fuzz, tocar cerca del ampli para conseguir un feedback brutal, Hendrix logró los efectos hoy incorporados plenamente a la forma de tocar de muchas clases de guitarristas.
“A veces salto sobre la guitarra. A veces machaco las cuerdas contra los trastes. Cuanto más las machaco, más grita. A veces la froto contra el amplificador. A veces toco la guitarra con los dientes, o con el codo. No puedo recordar todo lo que le hago”. J. Hendrix.
Como comentaremos en el siguiente capítulo En los años setenta y ochenta la calidad de fabricación de las guitarras descendió hasta llegar a límites inaceptables. Tras un proceso que ya se había iniciado a mediados de los años 60, coincidiendo con la compra por CBS de la fábrica a Leo Fender, y el abandono de Ted McCarty al frente de Gibson para dedicarse a fabricar los puentes Bigsby, 20 años después Fender y Gibson tocaron fondo, pasando la primera su producción a Japón. Esto llevó a los guitarristas a buscar en los luthieres locales la recreación de los diseños clásicos, naciendo firmas como PRS, Anderson, Suhr, etc.
En esa época los guitarristas de rock siguieron experimentando. Un género acentuó los “power chords”, los solos chillones, y el volumen brutal. Vino a ser conocido como “Heavy Metal”. Eddie Van Halen, de la banda “Van Halen”, experimentaba con proezas como “dive-bombing” que es usar de la palanca de vibrato no para hacer vibrar las cuerdas, sino para destensarlas completamente y bajar o subir dos octavas en fracciones de segundo. Eddie también empezó a utilizar la palanca de vibrato para bajar todavía más la cuerda de Mi grave (6ª). Hendrix ya lo había hecho, pero lo que conseguía realmente era desafinar la guitarra. Sin embargo, por la década de los 80 el inventor Floyd Rose había mejorado el sistema de vibrato de la guitarra de cuerpo sólido, haciendo posible “bombardear en picado” (dive-bombing) repetidas veces sin que se perdiera la afinación El sistema Floy Rose es hoy todo un icono del heavy metal.
Los guitarristas consideraron cada vez más sus instrumentos como símbolos personalizados de su propia identidad. Eddie Van Halen decoraba la suya con cinta aislante de colores, mientras Prínce tenía guitarras de todas las formas y calibres creadas especialmente para sus teatrales actuaciones. Otros guitarristas han llevado sus personalizaciones a límites más insospechados todavía.
Las marcas han seguido el mismo camino, llegando a acuerdos con los guitarristas famosos y comercializando las guitarras diseñadas por ellos como guitarras “signature”. Claro que a veces el diseño del artista es más aparente que otra cosa, y cuando el artista realmente diseña algo interesante, suele ser caro, por lo que las marcas comercializan versiones más estéticas que otra cosa.
La mayoría de edad de la guitarra eléctrica puede entenderse desde los siguientes acontecimientos:
- El cierre de un ciclo claramente diferenciado (años 50, 60 y 70), en el que la guitarra se convierte en un instrumento sin el que es imposible entender la música moderna.
- La generalización de su uso en prácticamente todas las manifestaciones de la música popular.
- El creciente desarrollo de una literatura acerca del instrumento: estudios, libros, artículos en prensa y revistas especializadas cuyo único objeto es la guitarra eléctrica
- La sobrevaloración de las guitarras primitivas y el consiguiente nacimiento del mercado «vintage».
- La superación de las viejas estructuras industriales y comerciales y la enorme importancia de técnicas de marketing sólo ensayadas con anterioridad: el endorsing, la explotación de la imagen del «guitar hero», las guitarras signature, el nacimiento de las «Custom shops» etc.
Puede decirse que esta mayoría de edad se alcanza a finales de los 60 (quizá con la figura de Hendrix) y se consolida en los 70. La guitarra es objeto de estudio, investigación y desarrollo, no sólo en cuanto a su fisonomía, sino sobre todo en cuanto al modo de interpretación y de uso de cuantos accesorios la rodean: amplis, efectos, etc. Una auténtica revolución en lo musical.
